A partir de la arcilla enrollada en los tensos hilos del tejido, la ceramista zimbabuense da forma a un lenguaje de formas donde el gesto más cotidiano se convierte en un monumento.
Las obras de Xanthe Somers llaman la atención de inmediato por su imponente presencia. Monumentales, coloridas, casi exuberantes, parecen celebrar la materia y la ornamentación. Sin embargo, tras su aparente ligereza, las esculturas de la artista encierran intenciones más complejas, donde se entrelazan la memoria colectiva, los gestos heredados y el trabajo a menudo invisible.
Nacida en Harare y residente en Londres, Xanthe Somers pertenece a una generación de artistas que reinventan los códigos de la artesanía para cuestionar las realidades contemporáneas. Su obra se inspira en las historias, las habilidades y los paisajes de Zimbabue, al tiempo que abre un diálogo más amplio sobre las conexiones y los desequilibrios que dan forma a nuestra vida cotidiana.
Este año, su obra continúa su proyección internacional con su participación en "Poetic Threads", presentada en la October Gallery de Londres junto a pinturas del artista marroquí Yacout Hamdouch, así como con su selección como finalista del Premio de Artesanía de la Fundación Loewe 2026. Allí, presenta una nueva serie, " Carer, Cleaner, Mother, Maker", donde la cerámica, la cestería y los textiles se entrelazan en un lenguaje unificado de formas. Este reconocimiento confirma la creciente relevancia de su obra en el arte contemporáneo.
En esta ocasión, Acumen entrevistó a la artista sobre su trayectoria, sus inspiraciones y cómo construye, a través de la escultura, un medio de expresión donde lo personal se encuentra con lo colectivo.
“Hilos poéticos: Xanthe Somers y Yacout Hamdouch”
Galería de Octubre
24 Old Gloucester Street, Bloomsbury, Londres (Inglaterra)
De julio 2 a 15 agosto 2026
Trabajas con gres vidriado, elaborado mediante el método de rollos según la técnica tradicional. ¿Qué te atrajo de esta práctica lenta y paciente en lugar de otras técnicas cerámicas?
Creo que este método me atrajo porque me parece el más intuitivo y escultórico. Es una forma de trabajar que se puede abordar de manera muy natural, sin necesidad de horas de formación formal, y, como ceramista autodidacta, me permitió aprender rápidamente mediante la experimentación, el ensayo y error. Podría dedicar toda una vida a explorar otras técnicas, como el torneado o el moldeo, pero la libertad de forma que ofrecen el enrollado y la construcción a mano es algo a lo que no querría renunciar. Me permite crear formas y estructuras de singular expresividad, sin restricciones.
¿Podrías describir todos los materiales que utilizas? Por un lado, materiales tradicionales como la arcilla, la técnica del rollo, la esteatita o el tejido; y por otro, materiales más contemporáneos como la cuerda de nailon, la manguera de jardín o el esmalte dorado. ¿Cómo interactúan estos materiales dentro de una misma pieza?
Creo que fusionar el pasado y el presente es una valiosa manera de desarrollar una voz artística contemporánea. En Zimbabue, a menudo existe la tendencia a idealizar el pasado, ya sea mediante la idea de una identidad africana «exotizada» o a través de narrativas marcadas por la experiencia colonial. Quise encontrar un camino que trascienda estas perspectivas, recurriendo a la tradición del tejido como medio para explorar temas de cohesión social y, en ocasiones, su ausencia. Al conectar las prácticas heredadas con las inquietudes actuales, espero crear una obra que aborde la complejidad del presente en lugar de simplemente contemplar el pasado.
Sus piezas son extraordinariamente grandes, a menudo superan el metro de altura. ¿Cuál es su relación con la escala monumental y qué desafíos técnicos plantea esto al trabajar con bobinas?
Siempre busco crear obras a mayor escala. Hay algo profundamente fascinante en la dimensión, especialmente al explorar temas como el trabajo femenino, la artesanía y la vida doméstica. Me gustaría ver que estas vasijas, arraigadas en las tradiciones domésticas, algún día ocupen el espacio público: que se hagan presentes y afirmen su influencia.
Desde un punto de vista técnico, crear a esta escala requiere paciencia. Construyo muros internos para sostener la estructura, pero el proceso se basa principalmente en la lentitud. La arcilla necesita secarse lo suficiente para soportar el peso de las formas tejidas sin derrumbarse. La lentitud de la construcción puede fácilmente dar lugar a formas rígidas y controladas, por lo que busco constantemente maneras de preservar una sensación de movimiento en la obra. Quiero que la arcilla sugiera pliegues, desenrollado y suavidad; que parezca viva en lugar de estática. Incluso dentro de la disciplina y la paciencia que exige el proceso, me esfuerzo por mantener una fluidez y una animación sutil en cada pieza.
Xanthe Somers en el Estudio III. © Cortesía de October Gallery, Londres.
¿Qué artistas, escritores o pensadores, ajenos al mundo de la cerámica, han alimentado tu imaginación y moldeado tu vocabulario visual?
Siempre me inspiro en artistas de Zimbabue y de todo el continente africano, no solo en artistas visuales, sino también en creadores de todo tipo que abordan temas similares a través de otros medios y disciplinas. Moffat Takadiwa, NoViolet Bulawayo, Tsitsi Dangarembga y Portia Zvavahera se encuentran entre mis figuras zimbabuenses favoritas.
Y dentro de la propia profesión, ¿qué ceramistas, alfareros o artesanos le han impresionado, tanto técnica como estéticamente? ¿Hay alguna figura histórica o contemporánea que admire especialmente?
Crecí rodeada de la cerámica de la alfarera zimbabuense Marjorie Wallace. Fue ella quien despertó mi amor y aprecio por este arte. Más recientemente, entre los escultores que me siguen inspirando se encuentran Woody De Othello, Raven Halfmoon, Katie Stout y Lindsey Mendick, por mencionar solo algunos.
En tus esmaltes incorporas colores vivos, casi llamativos. ¿Cómo creas tu paleta de colores y qué influye en tu elección de tonos?
Me gusta usar colores vibrantes para captar la atención. Las historias y los temas que subyacen a mi obra a veces son complejos o serios, y el color invita a conectar con ellos sin que la obra parezca oscura o inaccesible. Como las abejas atraídas por las flores, nos sentimos naturalmente atraídos por el color. Espero que esta atracción inicial nos anime a detenernos un rato, creando un espacio para un encuentro más profundo con las ideas y narrativas que contiene la obra.
Las artesanías tradicionales de Zimbabue, como el tejido y la talla en esteatita, están muy presentes en tu trabajo. ¿Cómo te iniciaste en estas técnicas y cómo las trasladas a la cerámica?
Intento transponer estas tradiciones artesanales de forma abstracta, para crear un nuevo lenguaje visual que unifique las historias y las cualidades materiales de la tela, la arcilla y el tejido. De vez en cuando, introduzco otros materiales para ampliar este vocabulario material y diversificar las posibilidades de la obra.
Para mí, tejer es una forma particularmente visceral de hablar de lo doméstico. Las sábanas en las que dormimos, las alfombras que pisamos, la ropa que vestimos: todo son formas de tejido, profundamente arraigadas en nuestra vida cotidiana. Estos materiales familiares me permiten explorar cuestiones más amplias: la vida doméstica, el trabajo de las mujeres y los espacios y legados que dan forma a la vida en Zimbabue y en todo el Sur Global. A través de la abstracción, espero conectar estas experiencias íntimas y cotidianas con narrativas más amplias.
Los títulos de tus obras son muy evocadores ( Detrás del delantal de mi madre ; El tejedor cansado ; Cuentos jamás contados). ¿Cómo surgieron? ¿Antes, durante o después de la creación de la obra?
Los títulos suelen estar presentes de forma subyacente durante todo el proceso creativo, guiando las decisiones sobre color, forma y escala. Pero una obra puede cambiar en muchas etapas: las piezas pueden agrietarse, romperse, explotar en el horno o emerger de la cocción con esmaltes totalmente distintos a los que había imaginado. Debido a esta imprevisibilidad, prefiero esperar a que la obra esté terminada y se haya revelado por completo antes de nombrarla. Solo cuando parece terminada y, en cierto modo, "viva", me siento preparado para darle su verdadero nombre.
Xanthe Somers Para sostener y ser sostenido, 2026. © Deniz Guzel.
¿Qué representa el taller para usted? ¿Un laboratorio, un santuario, un lugar de disciplina? ¿Podría describir un día de trabajo típico?
Mi estudio puede ser todo eso a la vez, y a menudo cambia de un día para otro. La belleza de una vida creativa reside en su constante evolución e imprevisibilidad. Para mí, el estudio es donde necesito pasar la mayor parte del tiempo. Las ideas surgen en el acto mismo de crear, así que cuando no estoy en ese espacio, empiezo a sentirme estancado.
Dicho esto, el estudio no siempre es un santuario. Como cualquier proyecto significativo, puede ser exigente y desafiante. Algunas obras requieren mucho más que otras, exigiendo paciencia, perseverancia y la voluntad de afrontar la incertidumbre. Sin embargo, es precisamente en esos momentos cuando suelen surgir los descubrimientos más gratificantes.
¿Hay algún material o proyecto nuevo que estés considerando explorar actualmente? ¿Hay alguna dirección que te gustaría darle a tu trabajo, ya sea en términos de medio, escala, técnica o nuevas colaboraciones?
Siempre busco razones para construir a mayor escala. Curiosamente, cada vez que empiezo a pensar en un nuevo proyecto, olvido las dificultades que implica trabajar a tan gran escala. Solo queda la ilusión y la promesa que ofrece la magnitud.
Para llevar a cabo estas ambiciones, a menudo necesito encontrar una residencia o estudio con espacio suficiente para hornos de gran tamaño, ya que la escala de mi trabajo está limitada, en última instancia, por el equipo del que dispongo. Las residencias son especialmente atractivas porque ofrecen no solo las instalaciones necesarias para proyectos ambiciosos, sino también tiempo dedicado y la oportunidad de crear en un entorno nuevo. Hay algo estimulante y aventurero en sumergirse en un lugar desconocido, y es un entorno al que espero regresar para mis futuros proyectos.
