Relegado durante mucho tiempo a un mero símbolo externo, el oro regresa al diseño contemporáneo a través de su faceta más reivindicativa: la del propio material. Esculturas fundidas en bronce, vidrio soplado color ámbar, espejos patinados, techos martillados: un panorama de un brillo que ha dejado de ser ostentoso para convertirse nuevamente en una cuestión de taller.
Se creía que el oro había quedado relegado al armario de los años ochenta, la época de los grifos llamativos y las molduras doradas sobre un fondo burdeos. Ahora, casi irreconocible, ha resurgido en las piezas más exigentes del diseño contemporáneo. Ya no se trata de crear un mero efecto: el color oro se trata ahora como un material, con sus distintos grados de pátina, sus velos, sus opacidades. Lo que está en juego no es tanto una moda pasajera como un retorno a lo que el oro era capaz de hacer antes de convertirse en un cliché: capturar la luz, intensificarla, hacerla casi tangible.
En la obra del diseñador holandés Dirk Vander Kooij, el oro nunca se aplica: surge de una acumulación de plástico reciclado que se calienta, se estira y se estria como el casco de un barco.
Las Bubble Lights, pilas de burbujas translúcidas que se asemejan a conchas marinas gigantes equilibradas sobre la roca, difunden una luz dorada que resulta puramente accidental, fruto de la combinación del ámbar y el calor de la bombilla.
Esto es precisamente lo que las hace auténticas: ningún tipo de dorado interfiere con el material. El brillo se logra mediante la transparencia misma, no mediante un recubrimiento.
Con Rosa della Foresta, la marca italiana Som presenta una pieza donde el oro se celebra en toda su intensidad. La escultura, en bronce pulido a espejo, se asemeja a una tela arrugada atrapada en pleno movimiento, un flujo congelado. El pulido es tan intenso que la pieza actúa como una pantalla: captura su entorno, lo distorsiona y lo transforma en oro líquido. Aquí encontramos un gesto característico de Anish Kapoor, este deseo de convertir la escultura en una membrana más que en un volumen. Colocada sobre una base blanca, Rosa della Foresta demuestra claramente cómo el color, en el diseño contemporáneo, ya no es una elección estética, sino una cuestión de superficie.
Probablemente sea en el diseño de interiores donde el color está redescubriendo su función más ancestral: la de aportar calidez. El interior de un proyecto reciente del diseñador Maximilian Eicke, con su techo de latón martillado y arcos dorados que enmarcan una barra de terciopelo color óxido, abraza este concepto por completo. El oro se convierte en una luz cautiva; rebota, se extiende, transformando una habitación cerrada en una linterna. Lejos de ser ostentoso, el equilibrio general proviene de las texturas (el terciopelo, el terrazo, el estampado de tigre en los sillones) que contrarrestan el brillo. Es un oro domado por el contraste.
En el ámbito del diseño de autor, la exposición Materials of Joy, organizada por Galerie56 en Tribeca como parte de la residencia en Nueva York de la galería londinense FUMI, ofrece la interpretación más exquisita del oro en la actualidad.
La pieza central, Stella Stellata, de Sam Orlando Miller, amplía una investigación que el artista ha estado llevando a cabo desde 2016 sobre espejos y rotación.
Compuesta por fragmentos de espejo en tonos ámbar patinado y gris platino, la obra juega con una simetría sutilmente rota, un centro que se nos escapa.
Allí el oro nunca es uniforme: es un mosaico de tonalidades, un oro catedralicio revisitado a la manera de un cosmos sin un punto fijo.
Una vez más, lo que llama la atención es la modestia del proceso, el vidrio, el metal, un montaje paciente que logra un efecto casi litúrgico.
Finalmente, queda el oro original, el del hierro fundido. La escultora belga Ozanne Princen, exbailarina, lo convierte en el material exclusivo de su colección Siluetas Eternas: piernas erguidas, fundidas en bronce pulido mediante la antigua técnica de la cera perdida.
Con una altura de 55 centímetros, edición limitada y firma numerada, este objeto pertenece tanto al mundo de la escultura como al del diseño de colección.
Lo que llama la atención aquí es la tensión: el rigor de un gesto casi arquitectónico, transfigurado por la calidez del metal. Princen también explora el mármol, que describe como un movimiento más silencioso, el siguiente paso en un diálogo entre la densidad del bronce y la blancura de la piedra.
