Dalla creta modellata in fili tesi di tessitura, il ceramista zimbabwese dà forma a un linguaggio di forme in cui il gesto più quotidiano si trasforma in un monumento.
Le opere di Xanthe Somers catturano l'attenzione innanzitutto per la loro pura presenza. Monumentali, colorate, quasi esuberanti, sembrano celebrare la materia e l'ornamento. Eppure, dietro la loro apparente leggerezza, le sculture dell'artista celano intenzioni più complesse, in cui si intersecano memoria collettiva, gesti ereditati e un lavoro spesso invisibile.
Nata ad Harare e ora residente a Londra, Xanthe Somers appartiene a una generazione di artisti che reinventano i codici dell'artigianato per mettere in discussione le realtà contemporanee. Il suo lavoro trae ispirazione dalle storie, dalle abilità e dai paesaggi dello Zimbabwe, aprendo al contempo un dialogo più ampio sulle connessioni e gli squilibri che plasmano la nostra vita quotidiana.
Quest'anno, il suo lavoro continua ad acquisire risonanza internazionale con la partecipazione a "Poetic Threads", presentata alla October Gallery di Londra insieme ai dipinti dell'artista marocchino Yacout Hamdouch, e con la sua selezione come finalista al Loewe Foundation Craft Prize 2026. In tale occasione, presenta una nuova serie, " Carer, Cleaner, Mother, Maker", in cui ceramica, cestineria e tessuti si intrecciano in un linguaggio formale unitario. Questo riconoscimento conferma la crescente importanza del suo lavoro nel panorama dell'arte contemporanea.
In quest'occasione, Acumen ha intervistato l'artista riguardo al suo percorso, alle sue ispirazioni e a come costruisce, attraverso la scultura, un mezzo di espressione in cui il personale incontra il collettivo.
“Fili poetici: Xanthe Somers e Yacout Hamdouch”
Galleria di ottobre
24 Old Gloucester Street, Bloomsbury, Londra (Inghilterra)
Da luglio 2 a 15 agosto 2026
Lavori con gres smaltato, realizzato con la tecnica a colombino secondo la tradizione. Cosa ti ha attratto di questa pratica lenta e paziente, piuttosto che di altre tecniche ceramiche?
Credo che questo metodo mi abbia attratto perché mi sembra il più intuitivo e scultoreo. È un modo di lavorare che si può approcciare in modo molto naturale, senza bisogno di ore di formazione formale, e, da ceramista autodidatta, mi ha permesso di imparare rapidamente attraverso la sperimentazione, la prova e l'errore. Potrei dedicare una vita intera all'esplorazione di altre tecniche, come la tornitura o la modellazione a mano, ma la libertà di forma offerta dalla colombinatura e dalla modellazione manuale è qualcosa a cui non vorrei rinunciare. Mi permette di creare forme e strutture di singolare espressività, senza vincoli.
Potresti descrivere tutti i materiali che utilizzi? Da un lato, materiali tradizionali come l'argilla, la tecnica a colombino, la steatite o la tessitura, e dall'altro, materiali più contemporanei come la corda di nylon, il tubo da giardino o lo smalto dorato. Come interagiscono questi materiali all'interno della stessa opera?
Credo che fondere passato e presente sia un modo prezioso per sviluppare una voce artistica contemporanea. In Zimbabwe, si tende spesso a romanticizzare il passato, sia attraverso l'idea di un'identità africana "esotizzata" sia attraverso narrazioni plasmate dall'esperienza coloniale. Ho voluto trovare una via che andasse oltre queste prospettive, attingendo alla tradizione della tessitura come mezzo per esplorare temi di coesione sociale e, a volte, della sua assenza. Collegando le pratiche ereditate alle problematiche di oggi, spero di creare un'opera che parli della complessità del presente, piuttosto che limitarsi a contemplare il passato.
Le tue opere sono straordinariamente grandi, spesso superano il metro di altezza. Qual è il tuo rapporto con la scala monumentale e quali sfide tecniche comporta lavorare con le spirali?
Cerco sempre di costruire qualcosa di più grande. C'è qualcosa di profondamente affascinante nella scala, soprattutto quando si esplorano temi come il lavoro femminile, l'artigianato e la vita domestica. Mi piacerebbe vedere questi oggetti, radicati nelle tradizioni domestiche, un giorno occupare spazi pubblici: rivendicare il proprio spazio e affermare la propria presenza.
Dal punto di vista tecnico, creare opere di queste dimensioni richiede pazienza. Costruisco pareti interne per sostenere la struttura, ma il processo si basa principalmente sulla lentezza. L'argilla deve asciugarsi quel tanto che basta per sopportare il peso delle forme intrecciate senza collassare. La lentezza della costruzione può facilmente portare a forme rigide e controllate, quindi sono costantemente alla ricerca di modi per preservare un senso di movimento nell'opera. Voglio che l'argilla suggerisca pieghe, dispiegamenti e morbidezza, che appaia viva piuttosto che statica. Anche all'interno della disciplina e della pazienza che il processo richiede, mi sforzo di mantenere una fluidità e una quieta animazione in ogni pezzo.
Xanthe Somers nello Studio III. © Per gentile concessione di October Gallery, Londra.
Quali artisti, scrittori o pensatori, al di fuori del mondo della ceramica, hanno nutrito la tua immaginazione e plasmato il tuo vocabolario visivo?
Traggo sempre ispirazione da artisti dello Zimbabwe e di tutto il continente africano, non solo da artisti visivi, ma anche da creatori di ogni genere che affrontano temi simili attraverso altri mezzi e tecniche. Moffat Takadiwa, NoViolet Bulawayo, Tsitsi Dangarembga e Portia Zvavahera sono tra le mie figure zimbabwesi preferite.
E all'interno della professione stessa, quali ceramisti, vasai o artigiani vi hanno particolarmente colpito, dal punto di vista tecnico o estetico? Ci sono figure storiche o contemporanee che ammirate in modo particolare?
Sono cresciuta circondata dalle ceramiche della ceramista zimbabwese Marjorie Wallace. È stata lei a risvegliare il mio amore e la mia passione per questa tecnica. Più recentemente, tra gli scultori che continuano a ispirarmi ci sono Woody De Othello, Raven Halfmoon, Katie Stout e Lindsey Mendick, solo per citarne alcuni.
Nei tuoi smalti incorpori colori vivaci, quasi pop. Come crei la tua palette e cosa guida le tue scelte cromatiche?
Mi piace usare colori vivaci per attirare l'attenzione. Le storie e i temi che sottendono alle mie opere possono talvolta essere complessi o seri, e il colore offre un invito a interagire con essi senza rendere l'opera cupa o inaccessibile. Come le api attratte dai fiori, siamo naturalmente attratti dal colore. Spero che questa attrazione iniziale ci incoraggi a soffermarci un po', creando lo spazio per un incontro più profondo con le idee e le narrazioni contenute nell'opera.
Le tecniche artigianali tradizionali dello Zimbabwe, come la tessitura e la scultura su pietra saponaria, permeano la tua pratica. Come ti sei avvicinato a queste abilità e come le trasponi nella ceramica?
Cerco di trasporre queste tradizioni artigianali in modo astratto, al fine di creare un nuovo linguaggio visivo che unisca le storie e le qualità materiche del tessuto, dell'argilla e della tessitura. Di tanto in tanto, introduco altri materiali per ampliare questo vocabolario materico e allargare le possibilità dell'opera.
Per me, la tessitura è un modo particolarmente viscerale di parlare della sfera domestica. Le lenzuola su cui dormiamo, i tappeti su cui camminiamo, gli abiti che indossiamo: sono tutti tessuti, profondamente radicati nella nostra vita quotidiana. Questi materiali familiari mi permettono di esplorare questioni più ampie: la domesticità, il lavoro femminile e gli spazi e le eredità che plasmano la vita in Zimbabwe e in tutto il Sud del mondo. Attraverso l'astrazione, spero di collegare queste esperienze intime e quotidiane a narrazioni più ampie.
I titoli delle tue opere sono molto evocativi ( Dietro il grembiule di mia madre ; Il tessitore stanco ; Racconti mai raccontati). Come nascono? Prima, durante o dopo la creazione dell'opera teatrale?
Solitamente, i titoli sono presenti sullo sfondo durante tutto il processo creativo, guidando le decisioni su colore, forma e scala. Ma un'opera può cambiare in tante fasi: i pezzi possono incrinarsi, rompersi, esplodere nel forno o emergere dalla cottura con smalti completamente diversi da quelli che avevo immaginato. Proprio per questa imprevedibilità, preferisco aspettare che l'opera sia completa e si sia rivelata pienamente prima di darle un nome. Solo quando mi sembra finita e, in un certo senso, "viva" mi sento pronto a darle il suo vero nome.
Xanthe Somers Tenere ed essere tenuti, 2026. © Deniz Guzel.
Cosa rappresenta per te l'officina? Un laboratorio, un santuario, un luogo di disciplina? Potresti descrivere una tipica giornata lavorativa?
Il mio studio può essere tutte queste cose contemporaneamente, spesso cambiando di giorno in giorno. La bellezza di una vita creativa sta nella sua costante evoluzione e imprevedibilità. Per me, lo studio è il luogo in cui devo trascorrere la maggior parte delle mie giornate. Le idee emergono proprio nell'atto creativo, quindi quando non mi trovo in quello spazio, inizio a sentirmi bloccato.
Detto questo, lo studio non è sempre un rifugio. Come ogni attività significativa, può essere impegnativo e stimolante. Alcuni lavori richiedono molto più di altri, esigendo pazienza, perseveranza e la volontà di affrontare l'incertezza. Eppure è proprio in questi momenti che spesso emergono le scoperte più gratificanti.
Ci sono nuovi materiali o progetti che stai valutando di esplorare? Ci sono direzioni in cui vorresti orientare il tuo lavoro, sia in termini di mezzo, scala, tecnica o nuove collaborazioni?
Sono sempre alla ricerca di motivi per costruire in grande. Stranamente, ogni volta che inizio a pensare a un nuovo progetto, dimentico le difficoltà che comporta lavorare su una scala così ampia. Tutto ciò che rimane è l'entusiasmo e la promessa che le grandi dimensioni offrono.
Realizzare queste ambizioni spesso richiede di trovare una residenza o uno studio in grado di ospitare forni di grandi dimensioni, poiché la scala del mio lavoro è in definitiva limitata dalle attrezzature che ho a disposizione. Le residenze sono particolarmente attraenti perché offrono non solo le strutture necessarie per progetti ambiziosi, ma anche tempo dedicato e l'opportunità di creare in un ambiente nuovo. C'è qualcosa di stimolante e avventuroso nell'immergersi in un luogo sconosciuto, ed è un contesto in cui spero di tornare per i miei progetti futuri.
