À l’occasion de la Milan Design Week 2026, la mode et le design brouillent plus que jamais leurs frontières, donnant naissance à des propositions hybrides où l’objet, le vêtement et l’espace dialoguent librement.
ARKET x l’artiste Laila Gohar
Laila Gohar est une artiste qui transcende l’art culinaire vers un récit visuel pertinent et symbolique. Considérablement implantée dans le milieu de la gastronomie, du luxe et de l’art, elle a fait évoluer son travail vers la conception de produits. Notamment avec le lancement de sa marque éponyme Gohar World en 2022 et la réalisation d’une collection d’objets pour la maison de design danoise Hay. Cette fois-ci, Laila Gohar ne collabore pas avec une marque nordique pour concevoir des objets mais pour imaginer une collection de mode.
Présentée comme une installation à la « Porte Venezia Design District 2026 » dans le cadre du Fuorisalone 2026, la première collection ready-to-wear de Laila Gohar en collaboration avec la marque ARKET dépasse le simple vêtement pour devenir une expérience sensorielle.
Pensée comme un dialogue entre mode, art et design, cette collection de 27 pièces explore les tensions subtiles qui opposent masculin et féminin : rigide et fluide, utilitaire et délicat. Les silhouettes oscillent ainsi entre des références workwear avec des costumes en toile blanche brodée, des chemises Henley ou des blouses inspirées d’uniformes, et des propositions plus éthérées, comme des ensembles en organza de soie ou des pièces ornées de nœuds évoquant le tablier.
La matérialité occupe une place centrale. Les pièces sont enrichies de détails faits main, broderies irrégulières, perles, crochets, qui célèbrent le geste artisanal et une certaine imperfection maîtrisée. Avec cette première collection, Laila Gohar propose une vision où le vêtement devient extension d’un univers narratif. La campagne est par ailleurs inspirée des œuvres du peintre et illustrateur Domenico Gnoli. Sa proposition vestimentaire s’inscrit dans une expérience globale, fidèle à l’esprit hybride et expérimental de la Design Week milanaise.
Hermès et ses objets de maison
Présentée à Milan lors de la Design Week 2026, l’installation d’Hermès consacrée à l’univers de la maison s’impose comme une expérience à la fois architecturale et sensorielle, fidèle à la tradition narrative de la maison. Accueillie à La Pelota, cette exposition met en scène les nouvelles créations pour l’intérieur, « Palladion d’Hermès », de la grande Maison Hermès. Le mot Palladium ou Palladion a une double signification : statue sacrée de Pallas Athénée ou métal léger de la mine de platine, Hermès laisse libre cours à notre imagination.
On y retrouve l’exigence artisanale propre à Hermès, où chaque matériau, cuir, métal et textile, est travaillé avec une extrême précision. Certains objets illustrent cette hybridation entre savoir-faire et expérimentation formelle : une silhouette sculpturale recouverte de matières précieuses, mêlant crin, cuir et métal martelé à la main. L’objet devient alors presque architectural, à mi-chemin entre design et pièce d’art.
Cette attention aux détails s’inscrit dans une histoire longue : depuis les années 1920, Hermès développe un univers dédié à la maison, où l’artisanat reste au centre de chaque création.
Mais ce qui distingue particulièrement cette installation, c’est sa capacité à transformer l’espace en récit. Chaque pièce semble habitée, comme si elle portait en elle un usage implicite ou une scène à imaginer. Dans ce décor fragmenté, le visiteur n’observe pas seulement des objets : il circule dans une vision du quotidien réinventée, où le luxe se traduit moins par l’ostentation que par la précision du geste et la poésie des formes.
Avec cette installation, Hermès confirme sa capacité à faire dialoguer design, architecture et artisanat, inscrivant l’objet de maison dans une expérience immersive.
La collection de mobilier d’ Issey Miyake
Présentée à l’occasion de la Milan Design Week 2026, la nouvelle collection de mobilier d’Issey Miyake s’inscrit dans une démarche à la fois expérimentale et profondément matérielle, où le design devient un terrain de recherche sur la transformation des ressources.
Conçue comme une extension des réflexions de la maison sur le textile, cette série de meubles se distingue par un procédé singulier : l’utilisation de couches de papier recyclé, travaillées jusqu’à devenir des surfaces presque minérales. Ces feuilles, décrites comme « wafer-thin », sont superposées puis compressées pour former des structures solides, révélant des motifs marbrés imprévisibles. Cette approche confère à chaque pièce un caractère unique, entre fragilité apparente et résistance structurelle.
L’esthétique qui en découle évoque autant la pierre que le tissu. Tables, assises et éléments sculpturaux semblent taillés dans une matière organique, tout en conservant une légèreté visuelle caractéristique de l’univers Miyake. Ce jeu d’ambiguïté entre souplesse et rigidité est un prolongement du savoir-faire de la marque sur le plissé et la transformation des surfaces.
Au-delà de la forme, c’est une véritable réflexion sur le cycle de vie des matériaux qui est mise en avant. En revalorisant des déchets de papier, le projet s’inscrit dans une logique de design circulaire, où la contrainte devient moteur de création. Le geste artisanal reste central : chaque pièce est façonnée de manière à laisser apparaître les strates, comme une archive visible de sa fabrication.
La présentation elle-même renforce cette dimension expérimentale. Plutôt qu’un simple display, l’installation met en scène ces objets comme habillant un paysage en mutation. Le visiteur est invité à observer de près les textures, à lire les surfaces comme des récits.
Avec cette collection, Issey Miyake confirme son approche transversale du design, où le vêtement, l’objet et la matière dialoguent.
Le sanctuaire éphémère de la marque Double J
Présentée dans le cadre de la Milan Design Week 2026, la proposition de La DoubleJ confirme l’évolution de la marque vers un véritable univers domestique, où l’objet devient vecteur de narration.
Fondée par J.J. Martin, la marque s’est imposée en quelques années comme un laboratoire visuel, mêlant mode, design et art de vivre. Cette approche transversale se retrouve pleinement dans sa ligne d’objets pour la maison, pensée non pas comme un simple prolongement de la mode, mais comme un territoire autonome d’expérimentation.
La présentation milanaise met en avant cette esthétique maximaliste, signature de La DoubleJ. Les objets en céramique aux motifs issus d’archives italiennes, retravaillés dans des palettes saturées et contrastées, s’imposent par leur taille. Loin de toute neutralité contemporaine, chaque pièce revendique une forme d’exubérance décorative où le mélange des imprimés devient un langage en soi.
L’installation prolonge cette logique visuelle en la transformant en expérience immersive. Les objets ne sont pas simplement exposés : ils composent un décor presque théâtral, évoquant une table en perpétuelle mutation. L’accumulation, les jeux d’échelle et la répétition des motifs créent une sensation d’abondance. Le savoir-faire joue également un rôle central. Revendiquant fièrement la réalisation d’une petite série de photographies surréalistes mais vraies, c’est-à-dire, sans intelligence artificielle. Produites en collaboration avec des manufactures italiennes, les pièces témoignent d’un attachement fort au savoir-faire artisanal. Les finitions, souvent enrichies de détails peints à la main ou de dorures, renforcent cette tension entre désir de perpétuer la tradition et dépendance technologique.
Fidèle à son ADN, La DoubleJ célèbre une forme de joie visuelle et d’expressivité assumée, où l’intérieur devient un espace d’affirmation personnelle. Dans cette installation, la maison n’est plus un lieu de neutralité : elle devient un manifeste esthétique, vibrant et profondément narratif.
