Art Paris est un des plus grands carrefours artistique de la capitale et du monde. Sous la nef à laquelle nous sommes habitués, celle du Grand Palais, la foire d’art contemporain nous a fait découvrir pendant trois jours intenses les coulisses d’un art précurseur, avec la présence de plus de 200 galeries et artistes.
L’art contemporain attire toujours autant de partisans, mais qu’est-ce qui fait la singularité de chaque artiste ? Notre sensibilité s’est intéressée à des œuvres texturées, dont les auteurs ont fait appel à de la matière minérale ou de la poussière ; d’autres s’intéressent à l’individu, qu’il s’agisse du personnage peint ou du spectateur. Chaque artiste s’est approprié un récit visuel pertinent, proposant une lecture singulière et innovante du monde contemporain.
Thierry Carrier
Artiste français, Thierry Carrier nous propose des peintures à l’huile insaisissables. Souhaitant devenir réalisateur, il imagine l’ensemble de son corpus visuel dans un univers très cinématographique. Bien qu’il peigne des œuvres figuratives, le surréalisme de ses représentations véhicule un message abstrait. Au centre de paysages souvent désertiques, post-apocalyptiques, des personnages énigmatiques survolés par des origamis adoptent une posture en retrait. Thierry Carrier invite le spectateur à interpréter l’image selon ses propres ressentis. Il crée en réaction à un besoin croissant de devoir répondre à des attentes et des réponses formelles et précises.
Maximilien Pellet / Pace Taylor
Certaines pièces de l’exposition « Maistre deü Jeu » de Maximilien Pellet, Parisien diplômé de l’École nationale supérieure des arts décoratifs de Paris, étaient majestueusement présentées sous la nef du Grand Palais. La pratique de l’artiste s’est développée au sein de trois ateliers associatifs dans lesquels il a identifié précisément sa technique de production, la céramique et l’enduit. Les sculptures en céramique représentant des personnages encore inconnus sont, en réalité, les symboles d’une mythologie médiéviste propre à l’abbaye royale de Fontevraud, dans laquelle s’est tenue cette exposition. Les statues s’observent comme des indices, voire des clés pour résoudre un mystère. « Les sculptures sont mises en scène dans une forme de théâtralité, peut-être un jeu de rôle d’un autre temps quelque part entre les codes du spectacle vivant et ceux des arts funéraires. » L’artiste se distingue par un procédé de fusion qu’il met en place entre l’art contemporain et les figures historiques du Moyen Âge.
Pace Taylor est un artiste américain qui représente, avec la subtilité des couleurs vives, la nudité et l’intimité. Ce principe, encore tant tabou, rend finalement service à l’humain. Iel met en lumière l’identité au cœur même des relations humaines afin d’effacer la peur de la vulnérabilité. La nudité se transforme en symbole ordinaire, sublimée par des pastels ou crayons de couleur. Les vives et chaudes tonalités de ses peintures enveloppent le spectateur d’une sensation de réconfort, de fragilité et de positivité. Iel soutient un discours profondément engagé en représentant des symboles queer sur les nus qu’iel dessine.
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Ben Arpéa
L’artiste français Ben Arpéa a développé une technique de création hors du commun. Ses paysages géométriques séduisent de par leurs couleurs. Il met en équation la couleur et la matière pour obtenir un résultat texturé, voire vivant. La collection exposée à Art Paris dans le cadre d’un solo show a été produite à partir d’une peinture composée d’acrylique et d’éléments minéraux comme le sable. Sur les toiles en lin se devinent des rainures et de petits amas de matière créant une discontinuité dans le tracé et un léger relief. À défaut de voir un beau coucher de soleil dégagé dans nos villes surchargées, Ben Arpéa a saisi les nuances parfaites de ce bref moment pour nous en faire profiter inlassablement.
Olivier Urman
Olivier Urman est un peintre conceptuel qui travaille avec la matière avant tout. Il transcende l’état intermédiaire d’un objet en le réduisant en poussière afin d’utiliser cette dernière comme matière première, applicable sur sa toile. Chaque objet décomposé est reproduit grâce à de la peinture mélangée à cette poussière. Il s’intéresse à la circularité des objets et « la fin des choses », comme il aime l’appeler ; l’objectif étant d’illustrer la manière dont le monde redécore son environnement à partir des déchets du passé, car nous ne cessons de consommer puis jeter. Au cœur de ses œuvres, le sujet principal n’est plus l’objet représenté mais la matière qui compose l’image. Ces peintures figuratives cachent néanmoins cette « crise de la disparition », entre présence et disparition.
amelieduchalard.com/fr/442_olivier-urman
Ricky Dyaloyi
Ricky Dyaloyi est un artiste sud-africain attaché à l’exubérance du paysage urbain de son pays. Il rend hommage à des individus oubliés et pourtant si singuliers. Ses coups de pinceaux s’arrêtent précisément sur chaque détail, de la tenue à la carrure, les silhouettes sont au préalable pensées avec conscience et désir de représentation. Le point de vue qu’il adopte, en plongée, permet d’unifier le paysage et de traiter chaque protagoniste de manière égale. Les personnages vivent leur histoire personnelle tout en participant à la création d’une histoire nationale commune. Ricky Dyaloyi évoque la tolérance à travers une multitude de récits qui explorent la complexité humaine et la détermination au cœur d’une foule de travailleurs anonymes.
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Ian Salamente
Le peintre brésilien Ian Salamente convie son public à un voyage culturel et technique. Originaire d’une ville qui s’est développée autour de l’industrie saline, Cabo Frio, l’artiste puise l’inspiration dans l’histoire de cette dernière. Le sel est devenu son langage pour représenter les vastes surfaces brésiliennes façonnées par une culture ouvrière singulière. L’humain et le labeur sont au centre du propos. Des références au modernisme brésilien et à l’art sacré se fondent dans ces représentations contemporaines.
Des symboles du monde contemporain deviennent des signes de résilience et de rébellion. Une rébellion pacifique, car artistique. Ian Salamente fait de ses toiles un espace dans lequel il expose les fissures sociales et les marges urbaines. Les protagonistes, représentés comme solitaires, nous font part de leur lassitude, et il émane d’eux une solitude dont découle une certaine inquiétude.
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À travers ces démarches singulières se dessine un panorama artistique, où les artistes interrogent notre rapport au monde, à la matière et aux autres, qu’il s’agisse de paysages énigmatiques, de corps fragmentés, de récits mythologiques ou de scènes de vie.
