Avec plus de 80 productions à son actif, ce scénographe danois revendique une discrétion à contre-courant : disparaître derrière l’œuvre plutôt qu’imposer une signature. Une approche qui lui a valu d’être fait chevalier de l’ordre du Dannebrog en 2021.
Figure incontournable de la scénographie contemporaine danoise, Palle Steen Christensen façonne des univers théâtraux où la poésie visuelle dialogue avec l’émotion dramatique. Basé à Copenhague, ce scénographe a signé plus de 80 productions au Danemark, en Suède et en Allemagne, dont une trentaine pour le prestigieux Théâtre royal danois de Copenhague, sur ses scènes dédiées au théâtre, à l’opéra et au ballet. En 2021, son travail a été récompensé par l’ordre du Dannebrog, distinction remise par la reine Margrethe II de Danemark.
Mais ce qui distingue véritablement Palle Steen Christensen dans le paysage théâtral européen réside dans sa capacité à disparaître derrière les œuvres qu’il accompagne. Là où certains scénographes imposent une signature visuelle immédiatement identifiable, il revendique une approche profondément collaborative. Pour Christensen, une scénographie ne doit jamais exister pour elle-même : elle doit répondre à la mise en scène, aux acteurs, au texte et au rythme du spectacle. Comme il l’explique, un même Hamlet pourrait prendre des formes radicalement différentes selon le metteur en scène ou le théâtre qui l’accueille.
Cette philosophie de l’adaptation nourrit un travail d’une grande subtilité. Chaque décor devient un équilibre délicat entre présence et retrait. La scénographie peut parfois s’imposer avec force, créer un choc visuel ou bouleverser la perception du spectateur ; à d’autres moments, elle doit au contraire s’effacer pour laisser toute la place au jeu des acteurs. Ses décors ont souvent cette qualité paradoxale : une matérialité presque architecturale, lourde et sculpturale, que la lumière vient pourtant traverser, animer, réchauffer. Le sombre s’y fait vivant, la masse devient mouvement. Christensen considère cette tension comme l’un des choix les plus importants de son métier : savoir quand être spectaculaire et quand rester silencieux.
Cette approche sensible se retrouve dans certaines de ses productions les plus marquantes. En 2018, il imagine les décors de Riget (« L’Hôpital et ses fantômes »), adaptation scénique de la célèbre série de Lars von Trier présentée au Théâtre royal danois dans une mise en scène de Nicolei Faber. Le spectacle plonge les spectateurs dans un hôpital où réalité clinique et monde spectral se confondent sans cesse. Grâce à une scène tournante, chaque rotation dévoile un nouvel espace inattendu, oscillant entre comédie absurde et horreur surnaturelle. Les images monumentales du spectacle évoquent les paysages brumeux et mythologiques où l’hôpital est construit, renforçant l’atmosphère troublante propre à l’univers de von Trier.
L’année suivante, Christensen signe l’un de ses projets les plus ambitieux avec Snedronningen (« La Reine des neiges »), opéra de Hans Abrahamsen inspiré du conte d’Andersen, mis en scène par Francisco Negrin. Pour cette création mondiale à l’Opéra royal du Danemark, il développe un langage visuel fondé sur la géométrie cristalline. Le projet pousse le scénographe à expérimenter des techniques inédites : afin d’obtenir une précision parfaite dans les formes, il apprend lui-même à coder pour générer des structures paramétriques en trois dimensions. Le décor intègre également des kilomètres de bandes LED qui, sous la direction des concepteurs lumière espagnols du studio Playmodes, transforment constamment l’espace scénique. Le résultat donne naissance à un univers glacial, presque irréel, où architecture numérique et poésie lumineuse fusionnent dans une esthétique spectaculaire.
À l’inverse, certaines créations de Christensen explorent une matérialité plus organique et brute. Dans Ordet (« Le Verbe »), présenté au Folketeatret de Copenhague en 2021 dans une mise en scène de Moqi Simon Trolin, il imagine un immense paysage inspiré des dunes et des vagues de la côte ouest danoise. Cette structure monumentale, semblable à une immense sculpture de céramique sombre, écrase littéralement les acteurs et accentue la rudesse du monde représenté. Le décor devient presque une force physique, imposant son poids et sa présence sur scène. Conçu comme une seule pièce gigantesque, il témoigne de la volonté du scénographe de créer des environnements immersifs plutôt que de simples arrière-plans décoratifs.
Le travail de Christensen révèle également un intérêt profond pour la psychologie des personnages. Dans Kældermennesket (« Les Carnets du sous-sol »), adaptation de Dostoïevski créée en 2011 par The Red Room – troupe affiliée au Théâtre royal – et mise en scène par Rune David Grue, il transforme le plateau en installation immersive. Le protagoniste, enfermé dans sa solitude et son obsession du monde extérieur, évolue dans un univers bidimensionnel représentant la société qu’il méprise. La scénographie devient ici un partenaire de jeu à part entière, offrant au comédien un espace vivant avec lequel interagir plutôt qu’un simple décor fixe.
Cette capacité à naviguer entre monumentalité et intimité se retrouve encore dans Spilleren (« Le Joueur »), présenté en 2022 au Betty Nansen Teatret dans une mise en scène d’Elisa Kragerup. Pour cette adaptation de Dostoïevski, Christensen développe une esthétique subtilement surréaliste à partir d’une palette presque monochrome. Cette économie de couleurs permet ensuite toutes les ruptures visuelles, notamment lorsque l’action se déplace à Paris : de gigantesques éventails se déploient alors sur scène et font basculer le décor dans une esthétique quasi cabaret.
Au-delà de la diversité de ses créations, Palle Steen Christensen revendique une vision profondément vivante du théâtre. Pour lui, la scène reste un lieu où les lois du réel peuvent être suspendues. Il souhaite que les spectateurs soient déstabilisés, émerveillés, parfois même effrayés. Le théâtre doit ouvrir un espace de fantasme et de révélation, capable de transformer notre perception du monde.
Depuis son atelier de Copenhague, où il travaille entouré de sa famille, Christensen continue d’aborder chaque nouveau projet comme une aventure incertaine. Il affirme aimer cette phase fragile où les idées hésitent encore, où les erreurs et les doutes deviennent le moteur même de la création. C’est précisément dans cette recherche permanente que réside la singularité de son œuvre : une scénographie pensée non comme un style figé, mais comme une exploration infinie des possibilités du théâtre contemporain.
